ANDREU SOTORRA - CATALAN WRITER AND JOURNALIST
CLIP DE TEATRE
[Teatre del Raval]
- «Al i Oli (The Sunshine Boys)», de Neil Simon. Versió de Josep Minguell. Intèrprets: Josep Minguell, Mingo Ràfols, Oriol Casals, Àngela Jové i Thais Buforn / Bernat Muñoz. Veus en off: Frank Capdet i Xavi Martín. Escenografia: Ramon de los Heros. Construcció escenografia: Daniel G. Blanco. Vestuari: Jordi Bulbena. Ajudanta vestuari: Mariela Sernagoras. Construcció vestuari: Carmen González. Il·luminació: Lluís Serra. So: Ramon Olesti. Tècnic llum i so: Guillem Pol. Cap tècnic: Rafael Tomico. Regidors: Thais Buforn / Bernat Muñoz. Estudi gravació: Kaliope Studio. Producció executiva: Cristina Raventós. Ajudants producció: Àlex Verdú i Stasik Biel. Ajudanta direcció: Thais Buforn. Direcció: Josep Minguell. Producció de Bohèmia's. Teatre del Raval, Barcelona, 14 maig 2017.
- L'allioli és una salsa espessa, grogosa o verdosa, depèn de l'oli d'oliva, que s'elabora al morter picant i remenant amb la mà de morter, triturant alls barrejats amb l'oli, amb una mica de sal i, segons els gustos, amb un raig de suc de llimona.
- Es fa difícil, pel títol escollit per a aquesta versió catalana, «Al i Oli», no pensar fonèticament en aquest ingredient de cuina. I posats a picar i remenar amb la mà de morter teatral, un diria que Josep Minguell ha tret tota la salsa possible de la comèdia de Neil Simon (Bronx, Nova York, EUA, 1927) que va escriure el 1972 i que, tres anys després, el 1975, amb guió d'ell mateix, va portar al cinema, amb la pel·lícula «The Sunshine Boys», dirigida per Herbert Ross, protagonitzada per Walter Matthau i George Burns. La trama és tan temptadora per a la gent de l'espectacle que Woody Allen i Peter Falk, el 1995, en van fer una versió per a televisió.
- Josep Minguell i Mingo Ràfols no són, precisament, dos actors que portin penjada l'etiqueta de còmics, com la duien en el seu moment Joan Pera i el desaparegut Paco Morán, arran del boom de «La extraña pareja», del mateix Neil Simon. Per això, aquesta juguesca que han organitzat té el doble atractiu de refrescar la popular comèdia de Neil Simon i de trobar els dos actors catalans en un registre al qual els espectadors no hi estan acostumats.
- Josep Minguell és Al i Mingo Ràfols és Oli. Es tracta de la parella d'avis que, en els seus millors temps i durant trenta-cinc anys van ser la parella de vodevil, Lewis i Clark, famosos pels seus esquetxos i la seva aparent complicitat i bona harmonia a l'escenari. Però darrere d'aquesta cara glamurosa s'amagaven les diferències que els separaven i, després de gairebé dotze anys sense ni parlar-se, l'amor i l'odi a parts iguals fan que, gràcies a la feina d'agent artístic d'un nebot d'Oli, els contractin exclusivament per representar el seu gag més popular a la CBS a canvi d'un suculent caixet.
- Com que molts dels espectadors deuen conèixer la trama de la pel·lícula, ja saben de què va, què s'hi cou i com s'acaba. Deixaré, però, la sorpresa final per aquells espectadors que s'hi trobin per primera vegada. Només afegiré que, vista ara a l'escenari, l'obra actualitza i ofereix una cruel ironia sobre la vellesa i com, a certa frontera de la vida, no queda altra remei sinó practicar l'art de suportar-se mútuament.
- Minguell i Ràfols juguen bé els seus dos personatges. Mingo Ràfols (Oli) és qui té més paper per exigència del guió i aconsegueix el to d'humor imprescindible, tant quan encara s'espavila sol al petit i escarransit apartament on viu —la cuina mal endreçada, el llit per fer, el vell televisor que no funciona, el pestell de la porta que fa la guitza...—, amb els primers símptomes de fallada de la memòria —mirada amb l'afabilitat necessària que aquesta dolència neurològica requereix—, com quan, arran d'una de les esgarrinxades amb el retrobat vell col·lega Al, i en ple assaig d'enregistrament del gag acordat —el de la visita a cal metge— acaben esbatussant-se i patint un avís d'infart que el deixa una temporada al llit.
- Josep Minguell (Al) fa també com Oli una evolució en el seu paper. Des del moment inicial en el qual regna la fredor entre els dos excòmics fins al final que es vol reconciliar amb el vell amic, tocat pel sentiment de culpabilitat de l'esbatussada als estudis de gravació. Dos papers que, marcats com estan per la influència cinematogràfica, només es poden tractar amb mirada gastronòmica.
- Diuen els experts en allioli que si quan es fa la salsa s'hi posa massa oli, es pot tallar; si es fan moviments estranys amb la mà de morter, també es pot tallar; si es deixa de remenar massa estona, segur que es talla; i fins i tot si mentre s'elabora es mira amb mal ull, es talla a la primera! Doncs, un mètode semblant, fa l'efecte que han fet servir Josep Minguell (que també és autor de la versió i director del muntatge) i Mingo Ràfols: no hi han posat més oli del que hi feia falta, no han fet escenes estranyes només per acontentar l'auditori, no han deixat de fer que el ritme de l'espectacle es frenés i, sobretot, se l'han mirat amb bon ull, malgrat els quaranta-cinc anys de rodatge que té la comèdia. I, esclar, l'«Al i Oli» no s'ha tallat.
- La recuperació d'aquest «Al i Oli (The Shunshine Boys)» al Teatre del Raval, ha servit també per posar entre veterans, un actor més jove, però de llarg recorregut, Oriol Casals, que per esmentar només tres de les seves obres es poden recordar «El casament dels petits burgesos» (Almeria Teatre), «Els nois d'història» (Teatre Goya) o «Sota la ciutat» (Teatre Lliure). Aquí, en el paper de Ben, el nebot d'Oli, té una funció important, sobretot en la seva relació amb l'oncle i les mans i les mànigues que ha de fer perquè ell li accepti la proposta de la CBS. És entranyable la relació entre interès i afecte del nebot cap a l'oncle i el rebuig malhumorat però carregat de necessitat vital de l'oncle cap al nebot.
- Entre ells hi ha també l'escena en la qual intervé la infermera que té cura d'Oli en estat de convalescència, paper que fa la veterana actriu Àngela Jové, que apareix més esporàdicament en la cartellera, però sempre per deixar els seus personatges en un bon lloc, ni que sigui en escenes fugaces com ocorre en aquest cas. El repartiment es completa amb Thais Buforn i Bernat Muñoz, en funcions alternes, com a regidors de plató de televisió. Comèdia amable a l'alçada del que el veterà Neil Simon proposa.
Tràiler de la comèdia «Al i Oli», de Neil Simon, al Teatre del Raval (1). Tràiler del film «The Sunshine Boys» dirigit el 1975 per Herbert Ross, amb Walter Matthau i George Burn (2).
- «El miracle d'Anne Sullivan», de William Gibson. Traducció i adaptació de Tamar Aguilar. Intèrprets: Mar Ferrer, Míriam Escurriola, Jep Barceló, Andrea Portella, Rosa Serra, Carles Garcia, Màrius Hernández i Tai Fati. Disseny llums: Xavier Costas. Disseny so: Omar Ocampo. Coreografia i combat escènic: Valentina Callandriello. Escenografia: Pablo Paz. Assessorament llenguatge dactilològic: Susana Vicente. Vestuari: Rafató Teatre. Ajudant direcció: Marga Parrilla. Direcció: Empar López. Producció: Tamar Aguilar, Muntsa Tur i Albert López Vivancos. Teatre del Raval, Barcelona, 3 febrer 2017.
- La història de Helen Keller ha estat portada al teatre, la televisió i el cinema en diverses èpoques. L'adaptació teatral catalana de Tamar Aguilar, a partir de l'original de l'autor William Gibson (Conway, Carolina del Sud, EUA, 1948) vol reflectir l'ambientació que als anys seixanta ja es va imprimir en el cinema encara en blanc i negre.
- Helen Keller (Tuscumbia, Alabama, 1880 - Easton, Conneticut, 1968) va patir una greu malaltia d'infància que li va provocar la pèrdua de la visió i l'audició amb les conseqüències de dificultat de creixement i adaptació social. Això, però, no va impedir que després de la seva aferrissada lluita pionera en la millora del desenvolupament de les persones sordes i cegues, es convertís, després de ser la primera persona amb les seves condicions de discapacitat a obtenir una titulació universitària, en una reconeguda escriptora —va deixar publicat el testimoni biogràfic de la seva situació personal— i també en una oradora i activista política.
- L'obra «El miracle d'Anne Sullivan», estrenada en teatre el 1959, potser és més coneguda per la seva versió cinematogràfica del 1962, «The Miracle Worker», dirigida per Arthur Penn, amb les actrius Anne Bancroft i Patty Duke de protagonistes, guardonada amb un Oscar a la millor actriu principal a Anne Bancroft i un altre a la millor actriu secundària, Patty Duke, morta precisament ara fa un any, i que interpretava aleshores el paper de la petita Helen.
- Diria, doncs, que la cinematogràfica és la pàtina que li ha volgut donar la versió teatral que dirigeix ara Empar López i que juga amb diferents espais de la casa i la finca dels Keller, a més de les estacions de tren tant de Tuscumbia com de Boston, en un mateix espai escènic, sempre a la vista, i amb una banda sonora de fons que acompanya subtilment la trama i els canvis d'escena.
- ¿Però per què la història de Helen Keller es presenta com «El miracle d'Anne Sullivan»? ¿Qui era Anne Sullivan? Nascuda el 1866 en el si d'una família pobra de Massachussetts, va patir la mort de la seva mare a causa de la tubercolosi i l'internament dels seus dos germans, Marie i Jimmie, en un orfenat on Jimmie va morir també a causa d'una tubercolosi de maluc. Aquesta mort va perseguir sempre Anne Sullivan la qual, afectada també per un tracoma que li va afectar la vista, va aprendre en una escola per a cecs de Boston a ajudar a altres criatures cegues amb la incorporació de l'alfabet manual. Una d'aquestes criatures, a qui Anne Sullivan no va deixar mai fins que ella va morir el 1936, va ser Helen Keller.
- L'adaptació teatral es limita al període de la relació inicial com a institutriu entre Anne Sullivan —que viatja des de Boston a la finca de Tuscumbia per pràcticar la seva primera experiència— amb Helen Keller quan aquesta té aproximadament set anys. L'obra, una hora i tres quarts, té marcadament i volgudament un tempo lent, amb escenes que recreen amb un realisme sense subterfugis l'etapa més conflictiva de la petita Helen, amb els seus atacs violents, les seves trapelleries, el seu xantatge emocional amb els pares que els tenen fora de lloc, sense saber com controlar ni posar-hi remei, tant els pares, com el germanastre, una tia que visita la casa i la jove serventa de la finca.
- Una obra que amaga la dificultat de fer creïbles, sense caure en una caricatura o un estereotip de la discapacitat de la ceguesa i la sordesa, els dos principals personatges: la institutriu Anne Sullivan i la nena Helen Keller. Dos papers essencials que defensen molt bé, per una part l'actriu Míriam Escurriola fent una institutriu Anne Sullivan que busca redimir la pèrdua del seu germà en un orfenat amb l'opció d'ajudar els altres i que, en la majoria de les escenes, eixampla la seva mirada cap a la platea amb la intenció de mostrar el seu compromís social i, a la vegada, vincular la solidaritat de tothom.
- Una altra cosa és el paper que li toca enlairar a l'actriu que fa el paper de Helen Keller, la nena sorda i cega. Mar Ferrer és una actriu de 19 anys que debuta amb un paper que segurament recordarà tota la vida i que l'obliga a actuar sempre gestualment, a vegades violentament, sense paraules, amb la vista perduda, en una interpretació que té moments coreogràfics, alguns afegits a la complexitat del vestuari d'època, i altres de marcada expressió dramàtica sense que la pugui expulsar amb cap paraula. Un debut revelació que té molt més valor que qualsevol prova de càsting.
- Al voltant d'elles dues, els altres personatges tenen intervencions més fugaces, d'entre les quals sobresurten el paper de la mare (Andrea Portella) que reivindica l'amor per la seva filla i la duresa del pare pròpia de l'època, el capità Keller (Jep Barceló), que evoluciona des de l'actitud més pessimista sobre el futur de la seva filla al reconeixement de la feina feta per la jove institutriu Anne Sullivan.
- Aquesta versió de l'obra «El miracle d'Anne Sullivan» vol ser també una aportació des del Teatre del Raval al teatre social, fugint de tabús sobre segons quines discapacitats, i a la divulgació pedagògica adreçada a adolescents per remarcar els valors que envolten tant l'obstinació de la institutriu Anne Sullivan per aconseguir els millors resultats com la voluntat i l'esforç de la nena Helen Keller que aprèn els primers significats a partir dels codis dactilars i que es veu finalment recompensada en la seva lluita.
Vídeo promocional de l'obra «El miracle d'Anne Sullivan» (1). Tràiler de la versió cinematogràfica del 1962, «The Miracle Worker», dirigida per Arthur Penn, amb Anne Bancroft i Patty Duke (2).
- «Mal Martínez: humor i hòsties». Lletra, música i interpretació: Marc Martínez. Dramatúrgia: Marc Martínez, Miguel Casamayor i Marta Pérez. Ajudants direcció: Ángela Cervantes i Joan Scufesis. Direcció: Miguel Casamayor i Marta Pérez. Coproducció: Singlot Festival, Marc Martínez, El Terrat, TheProject i Tartar Films. Teatre del Raval, Barcelona, 20 desembre 2016.
- L'actor Marc Martínez (Barcelona, 1966) ha tornat als orígens per partida triple. Per haver escollit l'escenari del Teatre del Raval, sota mateix del que va ser la seva escola de la infància, en el barri on va néixer, un espai urbà de la memòria que ja va rastrejar musicalment el 1999 amb el seu disc «El bolero del Raval», i també per haver muntat aquest espectacle unipersonal, «Mal Martínez», sota la direcció de Miguel Casamayor, a més de Marta Pérez, amb qui va començar la seva trajectòria teatral amb dos espectacles trencadors per l'època que ara serien titllats de familiars o juvenils: «Tira't de la moto» (1988) i «Línia roja» (1990).
- Teatralment es pot dir que «Mal Martínez» és un monòleg, sí, però en realitat és molt més del que entenem per un monòleg. Marc Martínez ha entrat en el seu món propi, familiar, de barri. I n'ha fet una semblança que, malgrat l'humor amb què la revesteix, té una pàtina de realisme, de tendresa i d'agror a la vegada quan evoca segons quins passatges de la infància, la seva preadolescència, les seves il·lusions, els seus mites...
- I tot respira sinceritat, veritat i sentiment, fins al punt que la paròdia de l'autobiografia és també la paròdia de l'autobiografia de tota una generació i de tot un col·lectiu que, encara dins de la ressaca de la postguerra i la Dictadura, neix i creix i se'n surt com pot en un barri com el del Raval de Barcelona, que avui ha fet la metamorfosi intercultural per no oblidar del tot com era.
- Marc Martínez, després d'una llarga trajectòria, fins i tot com a director («Super Rawal», 2003; «Conillet», 2015-2016) desplega els seus millors dots com a actor i es transforma en aquell «Marquitos» que recorda els orígens obrers del pare, la perruqueria de la mare, les veïnes del Raval a la pica de l'aigua, la vena comediant amb el germa actuant per a la família i el veïnat, la font de la plaça del Pedró, l'escola amb la palmeta de la mestra i els pinxos de classe, l'àvia, la tia, el germà, els atracadors professionals de l'època del Xino, la primera noia-sirena de la piscina, les cosines i els jocs de metges, el pis del Raval, i el terrat, ah!, el terrat de la infància, amb vistes a tot Barcelona, amb sol i aire i amb la descoberta, des de la innocència i el desig del sexe que no es desperta, de la cupletista del Paral·lel prenent el sol en un terrat veí o la veïna del tercer del balcó del davant amb les ungles dels peus pintades de vermell.
- El protagonista de «Mal Martínez» aspira a ser el líder, diu. Li ha costat cinquanta anys fer-se l'amo de l'escenari, tot sol, amb la por deixada al carrer, envoltat ara de la bateria —espaterrant escena amb les baquetes, el bombo, els timbals, els platerets i el llast que representa ser el bateria d'un grup quan es va de bolos!—, les guitarres, el piano electrònic, el micro de líder, les ulleres 2x1 de l'Òptica Segarra —la del carrer Tamarit—, i els amplificadors. El 19 de gener del 2017 ja en seran 51 de fets i Marc Martínez continuarà al Teatre del Raval perquè la primera pròrroga de l'espectacle —en vindran més—, almenys fins a finals de gener, l'ha avançada ell mateix en acabar la funció.
- Mantenir una hora i mitja en solitari a l'escenari i tenir la sensació que ha passat una vida sencera no és fàcil. La història que Marc Martínez explica té corda llarga i no s'esgota. Les picades d'ullet a mites generacionals no enfarfeguen gens el guió: una mica de Pepe Rubianes, una mica de Josep Maria Flotats, una mica de Raphael, una mica de Paco de Lucía, una mica de Lluís Llach, una renúncia irònica a les cançons de Mecano...
- Sembla com si cada passatge, cada aventura, cada experiència, cada record, demanés portar-te de seguida cap a un altre i no decau mai, ben al contrari, empeny a escoltar-ne més i més. Els intermedis musicals propis —el més iniciàtic, el d'una lletra, «Padre», reivindicativa de l'adolescència rebel que pressiona, escrita en un treball escolar per Sant Jordi del 1979, quan Marc Martínez Rodríguez feia 1r B a l'Institut Milà i Fontanals, a la Ronda Sant Pau, damunt de la Plaça Folch i Torres, on en l'època del pintor Ramon Casas no només es pintaven sinó que es penjaven de debò els condemnats a mort— continuen formant part de la mateixa història personal, però el gruix de l'espectacle és la seva connexió afable amb els espectadors, amb un domini escènic del tu a tu que no tothom aconsegueix guanyar-se l'auditori ben guanyat com fa ell.
Marc Martínez Ja va fer un retrat del Raval del Barcelona amb el disc «El bolero del Raval» del 1999. Clip del 1998 amb la peça «22 años y un día» realizat per Xavi Figueras i Àngel Leiro.
- «Orgasmos», de Dan Israely. Traducció d'Óscar Contreras. Intèrprets: Roger Pera i Cristina Brondo. Covers: Joan Olivé i Sam Sánchez. Música: Pep Sala. Escenografia: Sergi Corbera. Tècnic de llum i regidor: Javier del Blanco Reyes. So: Carles Nogueras. Veu en off: Joan Pera. Direcció: Óscar Contreras. Teatre del Raval, Barcelona, 9 octubre 2016.
- El títol enganya. Aquells espectadors que es pensin que l'espectacle «Orgasmos» és un succedani d'una de les performances decadents de la sala del Bagdad —una mica més enllà del Teatre del Raval— van errats.
- «Orgasmos» és una comèdia que posa el dit a la nafra, una vegada més, sobre una de les qüestions que, a jutjar per alguna de les reaccions puerils de la platea, continua anant més enllà de l'educació sexual practicada des de l'escola bressol a la universitat i de les mùltiples finestres obertes a les xarxes sobre el sexe. Hi ha tabús que són hereditaris de generació en generació. Malgrat el presumpte progrés i la presumpta informació sobre la qüestió.
- Per això, «Orgasmos» tracta de la diferència entre homes i dones, de les dificultats de viure en parella i de com ho van embolicar per una poma —starking, segons els d'«Orgasmos»— aquella parella tan coneguda per tothom que respon als noms d'Adam i Eva.
- La trama de l'espectacle comença per aquí, després que els dos intèrprets —desinhibits, frescos i divertits—, Roger Pera i Cristina Brondo, facin una breu presentació de l'obra i arrenquin amb la sèrie d'escenes breus sobre diverses situacions al voltant de la parella.
- De la primera escena una mica kitsch, amb el globus inflable enrotllat al ventre de l'home (Adam) en una caricaturesca macroerecció de plexiglàs i la seva conversa amb Déu en off reclamant una parella, es passa a altres situacions més realistes i contemporànies que permeten que els dos aportin el millor de la seva vist interpretativa.
- Roger Pera o Cristina Brondo alternen el guió estricte de l'obra amb algunes intervencions interpel·lant la platea, a vegades fins i tot saltant-se la llengua espanyola de l'obra, i interactuant en català amb l'auditori, amb alguna escena que, després de catorze setmanes de representació, fins i tot acaba fent esclatar-los a ells dos en un fora de guió tan similar a aquelles juguesques que s'empescaven en el seu dia Joan Pera —que per cert hi posa la veu en nom de Déu— i el desaparegut Paco Moran.
- Tenint en compte que tot el que es pugui dir sobre el tema de la parella podria acabar sonant a «déja vu», Roger Pera i Cristina Brondo hi aporten un to molt personal que revitalitza el contingut i que manté en bon nivell el clima de comèdia que «Orgasmos» promet. Especialment afable, quotidià i pròxim, ell, potser l'actor català de la nissaga Pera més polifacètic pel que fa a veus i expressió. I voluptosament enèrgica, en una multicaracterització de la dona, que reflecteix la maduresa de l'actriu després de la seva llarga trajectòria en cinema i televisió. Ha plogut molt des de la sèrie «Poblenou» de TV3, que els més nostàlgics encara recorden com un dels debuts, el 1994, de l'encara actriu adolescent que era aleshores Cristina Brondo.
- «Testimoni de càrrec», d'Agatha Christie. Adaptació i traducció de Marga Parrilla. Intèrprets: Jordi Coromina / Jep Barceló, Empar López, Pep Martínez, Muntsa Tur, Lluís Altès, Enric Cervera, Xavier Serrat, Montse Miralles, Sergio Alfonso, Berton Fernández, Roser Ràfols. Covers: Aida Qui, Eva Poch, Alberto Díaz i Míriam Escurriola. Il·luminació: Xavi Costas. So: Omar Campo. Escenografia: Gala Garriga. Construcció escenografia: Xavi Porcar. Vestuari: Rafató Teatre. Equip de caracterització: Carmen Mayor i Sara Rigola. Música original: Peter Delphinich. Interpretació musical: Peter Delphinich (saxo / baríton alt) i Dick Them (contrabaix). Enregistrament musical: Jaume Agramunt. Ajudanta direcció: Marga Parrilla. Direcció: Pepa Calvo. Teatre del Raval, Barcelona, 20 desembre 2015. Reposició: 22 setembre 2016.
- Al cap d'una estona de l'inici de la representació de 'Testimoni de càrrec', a un li fa l'efecte que l'escenari del Teatre del Raval ha tornat als orígens de sala de cinema de barri i que s'hi projecta la pel·lícula 'Witness for the Prosecution', l'original de Billy Wilder, que el 1957 van protagonitzar Charles Laughton, Marlene Dietrich i Tyrone Power. El blanc i negre continua dominant la posada en escena.
- L'adaptació del muntatge parteix d'una obra teatral d'Agatha Christie estrenada el 1953. La pel·lícula, que en el seu dia també va ser doblada al català, compta ara amb aquest retorn a l'origen teatral en una nova traducció de Marga Parrilla molt afinada que fa que cadascun dels personatges adquireixi una notable personalitat, a manera que avança l'acció.
- D'entre aquests personatges, esclar, qui té la veu cantant és Sir Wilfrid (un potent Jordi Coromina), l'advocat criminalista que surt de la convalescència d'un atac de cor i que, no fent cas de la recomanació mèdica, accepta la defensa d'un cas d'assassinat d'una dona gran i folrada de milions amb qui un home més jove matenia una sospitosa amistat.
- La mestra de novel·la negra més popular de tots els temps, Agatha Christie, sap posar-hi tots els elements que fan falta per anar creant una intriga creixent, atrapant els lectors o espectadors, i portant-los a un carreró sense sortida fins que esclata la sorpresa final: l'afer matrimonial, la infermera de Sir Wilfrid, el fiscal, el jutge del martell, la minyona de la dona assassinada, els bidells i els policies, la noia del públic... i per acabar-ho d'arrodonir, vuit espectadors voluntaris que prèviament a cada funció s'han ofert per fer de jurat popular des de dalt de l'escenari.
- En un moment que el teatre fa la viu-viu amb muntatges amb dos o tres intèrprets o un de sol, el Teatre del Raval es permet el luxe de posar en escena una obra que reuneix onze intèrprets i vuit espontanis i, a més, alguns dels intèrprets, veterans que vénen de lluny, però poc habituals actualment a l'escenari. Una operació de recuperació de noms injustament oblidats que ha tingut escasses iniciatives d'aquesta mena, com la que fa anys va fer Hermann Bonnín al Teatre Romea. Aquesta reunió d'intèrprets veterans encara reforça més el caràcter de la revisió d'una història en blanc i negre de fa seixanta anys.
- Al costat de Jordi Coromina —que li vagi darrere amb un flabiol sonant el canadenc Raymond Burr fent de Perry Mason!— hi ha un coet en bata blanca i còfia fent d'infermera Plimsoll (Muntsa Tur), que aporta un toc d'humor, i una camaleònica dona alemanya de passat tèrbol —quan Agatha Christie escriu l'obra han passat només vuit anys del final de la Segona Guerra Mundial—, Romaine Vole (Empar López) que, com ja feia Marlene Dietrich en la versió cinematogràfica, s'emporta el gat a l'aigua de tot el cas.
- L'obra, de tall clàssic dins del gènere, respecta, en una direcció molt mesurada de Pepa Calvo, l'estructura del planteig, el nus i el desenllaç sorpresa i, mentre dura la sessió del judici, incorpora la platea com a públic xafarder de les declaracions dels testimonis, amb la infermera Plimsoll i una modista d'època barrejades entre els espectadors. Hi ha cinema de tarda de diumenge i teatre de tarda de diumenge. Si un i l'altre estan ben fets, l'aposta val la pena. No hi ha crispetes, però només hi faltaria que, abans de començar, aparegués projectat el cap de la crinera i rugís el lleó de la Metro Goldwyn Mayer!
Tràiler de la versió cinematogràfica del 1957 dirigida per Billy Wilder i protagonitzada per Charles Laughton, Marlene Dietrich i Tyrone Powe.
- «Call Center», de Marc Angelet. Intèrprets 2016: Clara Moliné Xirgu, Francesc Cuéllar, Carles Goñi, Alberto Lozano, Concha Milla, Rafa Delacroix. Intèrprets 2009: Clara Puerto, Iñigo Aranburu, Carles Goñi, Oriol Roca, Gema Sala i Àlvar Triay. Veus en off: Andreu Ferrer. Escenografia: Juan Ayala. Il·luminació: Xavier Povill. So i música: Josep Barcons. Coreografia: Pere Gay. Direcció de Marc Angelet. Companyia La Guapa Teatre. Teatre del Raval. Barcelona, 19 febrer 2009. Reposició: 4 maig 2016.
- Que aixequi el dit aquell o aquella que no ha rebut mai una trucada d'un comunicant desconegut i el saluda afectuosament una veu —generalment amb accent sudamericà— dient-li que està encantat o encantada de parlar amb ell o ella i li engega el discurs sobre qualsevol oferta miraculosa per millorar la vida personal amb les telecomunicacions.
- Que aixequi també el dit aquell o aquella que no ha hagut de telefonar mai a un dels molts telèfons d'atenció al client que han proliferat com bolets a les empreses —privades però de funció pública i públiques també— sempre de pagament, a partir d'un 902, com a mímin, i que li retenen la trucada minuts i minuts amb l'excusa de buscar les seves dades, de mirar quines característiques té o de furgar en la qüestió de la qual vol informació, sense que n'acabi de treure l'entrellat.
- Al costat dels grans estafadors econòmics contemporanis (Lehman, Madoff, BanifSantander i tutti quanti) el sistema permès per tothom sobre els abusos d'aquests números de telèfon generen, euro a euro, una de les estafes més elevades del nostre temps al presumpte client.
- ¿Però qui hi ha darrere d'aquestes línies telefòniques? Per descomptat, treballadors i treballadores com qualsevol altre, persones que circulen en bicing, amb metro, amb autobús, amb tren de rodalies o amb qualsevol altre mitjà per anar a fer les seves hores, dia a dia, amb tants problemes personals com tothom, però investits d'una cuirassa per donar benefici a l'empresa per la qual treballen a costa de perdre la feina si no rendeixen en el seu lloc de treball.
- L'espectacle 'Call Center' dóna una d'aquestes imatges de l'altra costat del telèfon. Un grup de treballadors d'una línia telefònica d'una companyia de televisió per cable atén els clients que volen anul·lar les seves contractacions, després d'un parell de mesos de gratuïtat i es troben que la missió se'ls fa gairebé impossible.
- El muntatge transcorre davant d'una taula de treball que representa un taulell d'ordinadors amb els auriculars de connexió amb les trucades. Però, allò que podria semblar un rosari d'anècdotes entre empleats i clients es transforma, en realitat, en un conflicte de relacions entre els mateixos empleats i el seu coordinador fins al punt de posar de manifest la pressió que exerceix la competitivitat en el lloc més insignificant de treball.
- L'obra, però, no es conforma només a retratar l'anecdotari intern d'aquest sector d'empreses sinó que juga amb accions que entronquen amb la tradició teatral pròpia. Per exemple, quan dues de les intèrprets, que representa que són hostesses d'una empresa de formació, baixen de l'escenari i s'adrecen a la platea com a aspirants a la feina, amb alguns dels intèrprets-aspirants barrejats entre el públic. Hi ha, doncs, un ressò, salvant les distàncies, del joc intèrprets-espectadors que alguna vegada, en els seus espectacles, ha plantejat també una companyia com La Cubana.
- L'obra agafa un caire totalment diferent a l'últim tram i passa de comèdia laboral a thriller en directe. És la sorpresa final que, en un moviment coreogràfic ben mesurat, acaba creant un personatge més, un titella, que es converteix en el símbol de fons: una icona amb el somriure, encantada de parlar amb nosaltres... ni que sigui sota risc d'una ràfega de fusell retallat.
- El muntatge exigeix dels intèrprets una actuació que no es pot relaxar en cap moment. Canvis de personatges, canvis de situació, canvis de rol... Espectacle lingüísticament coherent amb la realitat, expressat gairebé tot, doncs, en castellà, amb mínimes intervencions en català. I un pensa que si l'obra fos, per exemple, d'autor francès i es representès en un teatre francès no hauria de sotmetre's a aquesta esquizofrènia de comunicació que s'imposa cada vegada més en el teatre català.
- Espectacle també amb influències cinematogràfiques, que la mateixa companyia La Guapa recomana a espectadors de la segona joventut, la del carnet jove i la del carnet jove prorrogat, la més influïda pel llenguatge del còmic i la imatge, és a dir, la generació d'entre els 18 i 35 anys. És, per descomptat, la generació que s'hi pot sentir més identificada.
Nota: Crítica recuperada de l'estrena el 2009.
- «Van Gogh el musical». Text, lletres i música de Roc Olivé i Joan Olivé. Intèrprets: Roger Pera, Mingo Ràfols i Miquel Malirach. Cover: Joan Olivé. Veu en off de "Robert: Pep Sala. Músics: Dionís Olivé (direcció instrumental), Víctor Gorriti (guitarra elèctrica) i Núria Garcia Bonilla (violí). Coreografia: Lidia Ibáñez. Caracterització: Alba Guillén. Disseny llums: Carles Lucena. Escenografia: Gala Garriga. Vestuari: María José Colado. Direcció: Roc Olivé i Joan Olivé. Producció: TesTistosTigues. Teatre del Raval, Barcelona, 19 novembre 2015.
- Com que els dos autors i lletristes d'aquest musical són de la corda de l'humor, els deu fer gràcia que un pintor com Van Gogh, de qui es commemora el 125è aniversari de la seva mort, es tallés un tros de l'orella quan ja estava tocat per la bogeria que, sense ell saber-ho, el portaria al cim de la glòria de l'art quan ja no hi fos.
- El cas és que la tallada d'orella esquerra amb una navalla, segons la versió oficial, no és pas per una decisió romàntica i voluntària, com relata el musical, sinó per les baralles i els enfrontaments entre ell i el pintor Paul Gauguin, durant el breu temps que conviuen plegats a Arles, el 1888.
- I si bé és cert que, un cop tallada l'orella, Vincent Van Gogh la va portar a un bordell embolicat en un paper de diari i la va regalar a una prostituta de qui estava encaterinat, anomenada Rachel, la presència aquí d'aquesta geganta de la vida, anomenada Ursula Layer, hi surt també de trascantó. Però, no ens esveréssim pas. Això és un musical i els mateixos autors adverteixen que, ni que estigui basat en fets reals, la meitat de la història pot haver estat inventada. Per tant, qualsevol llicència és bona, si la música sona.
- Vincent van Gogh, pintor neerlandès postimpressionista i considerat el pioner avançat de l'expressionisme, va ser un d'aquests genis maleïts que va deixar uns 900 quadres i uns 1.600 dibuixos i que va llegar un testimoni escrit gràcies als centenars de cartes que va escriure al seu germà petit, Theo, que el va intentar assessorar en l'àmbit financer de l'art i va tenir cura d'ell fins a la seva mort.
- Però tot això tampoc no interessa gaire els autors del musical i els espectadors s'hauran de conformar amb una mirada esperpèntica, que caricaturitza un parell de personatges de la història de l'art (Paul Gauguin i Vincent van Gogh) en la seva estada a Arles, a la Provença francesa, a finals del segle XIX, abans que Gauguin se n'anés a pintar a la Polinèsia, i que interpreten com una parella de clowns, Mingo Ràfols (Gauguin) i Roger Pera (Van Gogh), acompanyats de Miquel Malirach que, a banda de fer la introducció del muntatge, es transvesteix en l'esmentada dona de la vida, Ursula Layer.
- Sobre l'obra de Van Gogh, només una reproducció del quadre de l'habitació a Arles i la presència d'un gira-sol, a qui Van Gogh anomena Robert i que protagonitza una escena musical d'il·luminació fluorescent —d'aquelles que fan servir les companyies de teatre familiar—, sense que el gira-sol en qüestió arribi a cruspir-se res ni ningú perquè, malgrat l'orella tallada, no som pas a la 'Botiga dels horrors' i el gira-sol no és la planta carnívora d'aquell altre musical. I posats a reblar la broma, alguna picada d'ullet a la nissaga Pera i un pessic de 'La extraña pareja' amb el gag del cutxaron / cullerot fet popular per Joan Pera i Paco Morán.
- És just fer constar que Mingo Ràfols, Roger Pera, Miquel Malirach i els tres músics salven amb mèrit, ni que sigui remant en un bot pneumàtic i sense salvavides, el musical que es debat entre la tragèdia i l'humor sense que acabi de quallar ni en un sentit ni en un altre. La tragèdia personal de l'artista es converteix en anècdota i la broma dels autors és tan ingènua i efímera com una bossa de pipes de gira-sol que la companyia té la gentilesa de regalar als espectadors a la sortida.
- «La Monyos». Idea original d'Empar López. Llibret d'Albert López Vivancos. Composició musical de Pedro Pardo. Intèrprets: Teresa de la Torre, Itziar González, Òscar Mas, Cristina Murillo, David Mauricio, Helena Jara i Agustí Gonzàlez Salvador. Músics: Adrià Aguilera Casanovas, Alba Lleixà, Eduard Arribas i Daniel Artacho / Alba Rodríguez. Figurinisme: Artípolis. Escenografia i il·luminació: Núria Vila i Laura Clos. Coreògraf: Ricardo Molar. Coach actoral: Míriam Escurriola. Tècnic so i llums: Dani Tort. Perruqueria: Maria Isabel Palacios i Tania Ramírez (Cazcarra). Direcció musical: Pedro Pardo. Ajudant direcció: Marga Parrilla. Direcció: Empar López. Producció: Teatre del Raval. Teatre del Raval, Barcelona, 9 gener 2015.
- Imaginem per uns moments que un passeja per un barri històric, com el de Montmartre de París, per exemple, i es troba amb un teatre perifèric o alternatiu on es presenta un espectacle sobre un personatge popular parisenc mitificat pel temps. Entrar-hi i veure'l voldria dir conèixer i entendre una part de la història del lloc.
- En certa manera, això és el que fa el Teatre del Raval amb aquest espectacle musical, basat lliurement en el personatge de la Monyos, una icona de principis del segle XX del perímetre urbà de les Rambles, el Paral·lel i l'antic nucli de l'actual Raval, abans que se l'anomenés el Xino, a partir dels anys vint, i després, Distrito V, per mor del franquisme. La Monyos va deixar tanta empremta que la seva aura s'ha conservat fins a l'actualitat, imprès en el llenguatge popular, per assenyalar irònicament una persona que sorprèn perquè, anant pel carrer, el coneix o saluda mitja ciutat.
- La Monyos (en realitat, Dolors Bonella i Alcanzar) va ser un personatge tocat per la desgràcia que va patir la mort de la seva filla petita de quatre anys, atropellada per un carruatge de cavalls. Dedicada a la costura i el servei domèstic, estava immersa en la precarietat i la misèria de l'època —va nèixer el 1851, sembla que al carrer de la Cadena— i va viure fins al 1940, als 89 anys, ingressada a l'Hospital del Mar, sempre acompanyada de la fantasia que la seva filla tornaria o encara vivia en algun lloc, al·lucinació que el llibret del musical relaciona amb l'anècdota del pas del Halley, precisament el 1910, quan la cua del cometa va fregar més que en altres rotacions el planeta Terra, cosa que va provocar la profusió de teories paranormals i apocalíptiques.
- Hauria estat molt fàcil caure en la temptació de cabaretitzar excessivament o frivolitzar el musical de la Monyos i quedar-se només en la seva imatge de dona alegre, la seva bogeria ramblística i el seu afany per parlar amb tothom, vestida acoloridament, amb un notable monyo, i oferint poemes o cançons als passejants. En canvi, el musical se centra en la tortura de la malaltia mental de la Monyos, la conseqüència inestable que li provoca la mort de la filla, el poc suport del pare de la criatura i la relació dels pocs amics que la vigilen de prop, una de les floristes de la Rambla i un enllustrador.
- Amb aquest triangle, la trama de 'La Monyos' transcorre en un espai que representa el nucli de la Rambla amb la portalada del Cafè de l'Òpera i —amb un lleuger canvi escenogràfic— el pis de la protagonista. La resta ve de la mà d'una partitura d'una vintena de peces d'estil molt divers però amb aires de musical clàssic que no es deixen emportar per la tonada més popular, tret d'una arrencada amb la interpretació coral de 'La Rambla de les Flors' i amb una peça final com 'Més famós que la Monyos' i que va entrant progressivament en l'estat anímic del personatge, els seus alts i baixos, les seves depressions, la seva facilitat per oblidar al matí el que va dir el vespre anterior i el seu tornar a començar cada dia embolcallada del seu món de fantasia.
- Per acabar de reblar el clau, el guió juga amb dues Monyos en diverses escenes visionàries: la Monyos ja gran (Teresa de la Torre), dissortada, turmentada per la desgràcia, i la Lolita encara jove (Itziar Gonzàlez), la veu de la consciència que la fa culpable de la mort de la petita per haver-la deixat jugar al carrer. Una manera de recrear el personatge no només amb la imatge mitificada d'una generació determinada sinó reculant en el temps per recuperar l'autèntica protagonista en la seva plenitud de joventut.
- A banda d'aquestes dues actrius, el quartet més significatiu pel que fa a interpretacions solistes es tanca amb la florista, la Paquita (Cristina Murillo, que mostra en totes les vocalitzacions el dialecte fonètic del seu orígen del Camp de Tarragona) i l'enllustrador (Òscar Mas) un immigrant de tota la vida establert a la Rambla que somnia tornar al seu poble i que pretén salvar la Monyos de la fixació que la corseca en una relació romàntica que no pot anar més enllà.
- La resta de personatges, el cambrer del Cafè de l'Òpera, la parella de passejants, la dona petitburgesa... i hauríem d'afegir-hi els músics en directe, a la vista dels espectadors, donen vida a una ambientació de la Rambla d'un temps que només les generacions dels més grans guarden en la seva memòria. El musical de 'La Monyos' no s'afegeix al mur de les lamentacions dels qui enyoren i voldrien un paisatge de la infància sinó que reforça el mite d'un personatge a qui no li calen ni monuments, ni fonts, ni plaques memorialístiques sinó que en té prou amb el seu nom, la Monyos, per despertar el cuquet de la curiositat pel passat.
Tràiler promocional del musical 'La Monyos', del Teatre del Raval (1). Tràiler de la versió cinematogràfica de 'La Monyos' (1997), dirigida per Mireia Ros, amb música d'Albert Guinovart i intepretada per Julieta Serrano, Eufemia Roman, Carles Sabater, Anabel Alonso i Montserrat Salvador, entre altres (2).
- «L'esbudellador de Whitechapel». Llibret i lletres de Marga Parrilla i Oriol Estefanell. Música: Josep Ollé. Intèrprets: Roger Borrull, Clara Altarriba, Mónica Portillo, Mireia Casado, Víctor Genestar. Músics: Marc Sumsi, Maria Tió, Teresa Noguerón, Laia Reverté i Rafel Iniesta. Figurinisme: Giulia Grumi. Escenografia: Ramon de los Heros. Il·luminació: Laura Clos (Closca). Coreògraf: Ricardo Molar. Tècnic so i llums: Dani Tort. So medley: Adrià Martínez. Direcció Musical: Esteve Costa. Direcció: Marga Parrilla i Oriol Estefanell. Producció del Teatre del Raval. Teatre del Raval, Barcelona, 26 setembre 2014.
- Pocs dies abans que la jove companyia d'aquesta nova producció musical del Teatre del Raval l'estrenés, va aparèixer una notícia que tornava a especular sobre la presumpta identitat del famós assassí del barri de l'est londinenc de Whitechapel que, entre l'agost i el novembre de l'any 1888 —aquí, temps de pobresa, menestralia, obrerisme, burgesia emergent modernista i Exposició Universal de Barcelona— va degollar i posteriorment esbudellar cinc prostitutes sense que des d'aleshores no s'hagi sabut mai qui podia ser l'autor o autors, a pesar que els rumors i la ficció que ha inspirat l'han convertit en un ésser que, tot i ser real, sembla més aviat un personatge de l'imaginari de la literatura de terror.
- L'última suposició, doncs, ve de la mà d'un investigador anglès que s'ha aventurat a dir que el famós Jack l'esbudellador podia ser un tal Aaron Kosminski, un immigrat polonès de 23 anys. Segons el mateix investigador, el tal Aaron vivia prop del barri de Whitechapel, on feia de perruquer, i el cos de la Scotland Yard va considerar, a l'època dels fets, que era un dels sospitosos.
- L'investigador es basa en les proves forenses a partir d'un xal que previsiblement va pertànyer a una de les víctimes i que, cent vint anys després dels assassinats, va ser subhastat després de circular de mà en mà des de les primeres que el van recollir, un sergent de la policia londinenca. Certa o no la teoria, difondre-la ha servit a l'autor per publicar un llibre més sobre la incògnita de Jack l'esbudellador.
- No sé si els autors catalans del musical 'L'esbudellador de Whitechapel' s'haurien vist condicionats per aquesta notícia si hagués aparegut abans d'escriure l'obra. En tot cas, el que el seu muntatge fa és recrear a partir dels principals personatges de la història, allò que hauria pogut motivar els assassinats portats a terme per Jack l'esbudellador. I no s'estan de res. Posats a omplir una mica més el sac de les especulacions sobre el cas, el llibret de Marga Parrilla i Oriol Estefanell ensenya les cartes a la primera i descobreix que el misteriós Jack no és en realitat un home sinó una de les prostitutes que fan el carrer pel barri de Whitechapel.
- La trama es desenvolupa amb cinc intèrprets i cinc personatges essencials: un metge que s'aprofita del budellam de les víctimes, un periodista que viu de l'escàndol, la jove prostituta que els fa la feina bruta, la matrona d'un dels bordells del barri i el fill d'una de les prostitutes que està enamorat de la jove assassina i que fa de repartidor de diaris. Cinc músics (piano, violí, clarinet, violoncel i contrabaix) acompanyen les intervencions cantades i, durant una hora i tres quarts, donen vida —o més aviat mort— a una història terrorífica que el muntatge amoroseix amb unes escenes de personatges de carrer anònims, amb màscares, cosa que fa que 'L'esbudellador de Whitechapel' s'acosti al Grand Guignol en alguns moments i, per la sang de ficció i els experiments de laboratori del metge còmplice, agafi també aires d'espectacle gore, reforçat amb una il·luminació tenebrosa.
- El musical continua amb la línia que ha trobat el Teatre del Raval de posar en escena històries d'abast universal i també molt pròximes com els èxits dels muntatges anteriors: 'La vampira del Raval', 'Goodbye Barcelona' o 'Germans de sang'.
- En el cas de 'Jack l'esbudellador', el resultat és més irregular, no pas per la interpretació de conjunt que mostra una vegada més la bona feina del ventall d'escoles musicals que han promocionat veus de notable nivell, com les que protagonitzen aquest musical, sinó per la recepció de conjunt que, potser per haver de jugar amb uns mitjans més aviat modestos, fa que bona part del contingut de les lletres del llibret —que com a nova obra no són conegudes per l'auditori— arribin amb dificultat als espectadors.
- Fa la impressió que la preocupació de la companyia per fer un treball musical rigorós —i aquí se'n surten bé— s'hagi cruspit la imprescindible mirada teatral. Un musical —a banda de ser musical— s'explica per les seves lletres i aquestes lletres han d'arribar als espectadors amb tanta claredat com si fossin un text dramatitzat perquè en realitat el que fan és substituir-lo.
- Al marge d'aquest petit llast de compensació entre orquestra i registre vocal —que encara possible de polir—, el muntatge té una sólida base per la interpretació de conjunt i constata la bona preparació dels cinc protagonistes, d'entre els quals, per obra i gràcia del guió, acaben agafant més força dos dels personatges femenins, el de la matrona Vicky (interpretat per Mònica Portillo) i el de la principal protagonista de la història-llegenda de Jack l'esbudellador, la jove prostituta i executora dels assasinats, Mary Kelly (interpretada per Clara Altarriba), a més del repartidor de diaris, Tommy (que interpreta Mireia Casado) i que —coincidint amb la reestrena de la nova versió del musical 'Mar i cel'— fa pensar en el grumet Idriss, quant a la caracterització en adolescent masculí d'una actriu, o també en el pillastre de Tobias Fogg del musical 'Sweeney Todd: el barber diabòlic del carrer Fleet', que tanta empremta va deixar aquí en la versió dels germans Gas.
- Curiosament, els dos espectacles que formen part del gènere de terror, tant en el cas de 'Jack l'esbudellador' com en el de 'Sweeney Todd' ha propiciat en els últims anys (Jack, 2001 / Todd, 2007) que es fessin les respectives versions cinematogràfiques. I les dues pel·lícules, protagonitzades pel mateix actor: Johnny Depp. I és que la sang i el fetge —al cinema o a l'escenari—, si es combinen amb bona música, acaben enganxant.
Vídeo promocional del musical L'esbudellador de Whitechapel (1). Tràiler de la pel·lícula From Hell (Desde el infierno), adaptació de Jack l'esbudellador, del 2001, amb Johnny Depp de protagonista.
- «Top Model», de Sergi Pompermayer. Intèrprets: Pep Cruz, Anna Azcona i Jordi Coromina. Escenografia i vestuari: Pi Piquer. Sastreria: Nele Feys. Perruques i maquillatge: Tina Montón. Banda sonora: Marçal Cruz. Il·luminació: Ignasi Morros. Direcció: Pep Cruz. Companyia Per-Versions. Teatre del Raval, Barcelona, 4 maig 2014.
- Cal advertir els futurs espectadors que l'obra 'Top Model' enganya des del primer moment. Hi ha enganys de bona fe, com aquest. Mentre tot sembla que anirà d'un speaker o predicador de masses capaç d'entabanar els més llestos a partir del mètode d'una tal Fundació Max per desterrar el mite de la bellesa, la cosa va transformant-se en un recull de situacions estrambòtiques dels tres personatges en esquetxos que van pujant de to, fins que la trama fa un gir inesperat i agafa aires de thriller sense perdre en cap moment el seu punt de comicitat.
- L'entabanador és Max (Pep Cruz), un personatge que fa creure a l'auditori que fa només quatre dies era un bíceps escultòric de Play Boy, amb imatge testimonial a l'escenari, i ara ha aconseguit enlletgir físicament fins a extrems insospitats. Tothom busca la felicitat com millor li plau. I Max confessa que és feliç en el seu nou estat de lletjor. Per certificar-ho, compta amb dos còmplices (ell, Jordi Coromina; ella, Anna Azcona) que continuaran entabanant també els espectadors, convertits tots en pretesos voluntaris assistents a la trobada del gurú.
- Fent salts en el temps (una escena porta a la preadolescència de Max amb els seus pares) i caramboles amb els personatges (Jordi Coromina i Anna Azcona tenen una constant caracterització de vestuari, perruqueria i sexe) cada esquetx es va convertint en la il·lustració del que en Max explica als espectadors, que són convidats a interactuar des de platea ja sigui autoqualificant-se de lletjos o autoritzant-los a llençar qualsevol mena d'insult a l'speaker en qüestió.
- El trio d'intèrprets realitza, en llenguatge contemporani, a vegades en clau de clown, allò que en temps reculats podia ser el teatre de barraca. L'esperit de fons hi és perquè l'espectacle ha girat per la Seca i la Meca —no sé si per les Valls d'Andorra també— i s'ha plantat a Barcelona després de quatre temporades des de la seva estrena. Per això no ha de sorprendre que, en el moment del gir final de la trama, el teatre dins el teatre prengui protagonisme i de l'escenari es pasi al darrere de les bambalines, al camerino, on tot allò que semblava ficció de cara al públic es destapa per descobrir l'autèntica realitat de la farsa.
- Pep Cruz té un paper més aviat de mestre de cerimònies o de narrador. I Jordi Coromina i Anna Azcona, en canvi, són els dos partenaires que passen per la corda fluixa dels diversos canvis de personalitat i de registre que els exigeixen els personatges que tenen encarregats.
- L'autor Sergi Pompermayer (Barcelona, 1967), que té els genolls pelats d'exercir sobretot de guionista (recordi's només 'Porca misèria', 'Plats bruts', 'Lo Cartanya' fins a arribar a 'La Riera', ha marcat un ritme frenètic a 'Top Model', amb canvis d'escena amb efectes cinematogràfics i un espetec final de mitja dotzena de trets de pistola que un, que no vol aixafar la guitarra de ningú, es guardarà prou de desvelar perquè hi són.
- Comèdia àgil, carregada d'humor, ràpida (encara no una hora i mitja) i que quan fa pensar que la història pot anar donant tombs i més tombs sense que trobi la sortida, sorprèn l'espectador més confiat i li capgira qualsevol intuïció de desenllaç que hagi pogut tenir. Es quan, aleshores, es justifica tot el que s'ha vist i quan 'Top Model' pren tot el sentit de ser com és.
- «Germans de sang (Blood Brothers)», de Willy Russell. Traducció d'Albert Mas-Griera. Intèrprets: Roger Pera, Sergi Zamora, Virginia Martínez, Xavier Ribera-Vall, Eduard Doncos, Lucía Torres, Isa Mateu, Benjamí Conesa, Ariadna Suñé, Albert Estengre (cover Narrador), Irene Gil (cover Miss Jones). Pianista: Dani Campos. Segon pianista: Marc Garcia. Il·luminació: Pol Turrents. Tècnic il·luminació: Natàlia Ramos. So: Ernest Peral. Cap tènic: Dani Alonso. Coreografia: Marisa Gerardi. Vestuari: Aitziber Sanz. Escenografia: Cata Munar. Direcció musical: Dani Campos. Direcció: Ricard Reguant. Teatre del Raval, Barcelona, 19 gener 2014.
- Els amants del musical —i els que no ho són també— tornen a tenir una altra oportunitat que els ofereix novament el Teatre del Raval després de llançaments d'èxit com 'La vampira del Raval' i 'Goodbye Barcelona'. La nova versió del musical 'Germans de sang', de Willy Russell, ha tornat a Barcelona just vint anys després de la seva estrena en català, i de la mà del mateix director escènic, Ricard Reguant.
- Només els dos protagonistes, els dos germans de sang, Mickey i Edward, repeteixen en el repartiment (Roger Pera i Sergi Zamora). Els dos, fa vint anys que tenien... ¿vint anys?... però la maduresa del temps fa que interpretin dos dels papers més difícils del gènere perquè fan un salt progressiu des dels 7 anys (i mig) fins al voltant dels 20 anys. Una caracterització que, sense caure en un aire fals, aconsegueixen només amb el to, el timbre de la veu i el gest, des dels compassos primerencs més ingenus, als d'adults.
- L'altra coprotagonista del muntatge és la mare dels dos germans, la Sra. Johnstone, aquesta dona encara jove, que sembla destinada a treballar i tenir criatures —i que la crisi del nou segle ha fet encara més familiar— i que rep com a premi de final de carrera el naixement dels dos bessons que protagonitzen la història tràgica que 'Germans de sang' es guarda a la màniga fins a l'últim moment.
- Qui li havia de dir a l'autor Willy Russell (Liverpool, 1947) que de la temptativa d'una única cançó escrita per a una funció escolar el 1982 en sortiria un musical que ha acabat tenint dues hores de durada des que el 1983 es va estrenar també a Liberpool i després al West End de Londres, per ser recuperat deu anys, el 1993, després a Broadway i iniciar la seva gira internacional, en la qual es compta la versió catalana, interpretada aleshores per l'actriu Àngels Gonyalons, en el paper de la mare, i per Joan Crossas, en el de narrador.
- Si en el temps d'or del musical català n'eren setze a l'escenari, ara en són només nou, obligats a fer doblets. I si l'escenari del 1994 va ser el Condal del Paral·lel, ara és el del Raval. Les dimensions, doncs, condicionen el muntatge, però l'austeritat no vol dir rebaixar la qualitat i, en aquest cas, en una renovada direcció musical de Dani Campos (aleshores va ser el desaparegut Jordi Doncos) i en una interpretació coral sense excepcions, guanya encara més pes la part musical —objectiu, em sembla, del muntatge actual—, que no pas l'escènica que beu de les fonts i els recursos de la imaginació amb quatre bidons de fuel i quatre paravents metà·lics que fan, segons cada escena, de murs, de gabials, de carrer, de barri i, també de les cadenes metafòriques que tenen lligats els destins de Mickey i Edward i el de la seva mare.
- Aquests 'Germans de sang' s'expliquen sense sofisticacions i arriben als espectadors netament, narrativament a través de les peces cantades, gràcies a una interpretació molt ben aconseguida que encapçala i es guanya a pols la cantant, lletrista i compositora del grup de pop-rock, La Porta dels Somnis, Virginia Martínez (en el paper de la mare o senyora Johnstone); que ribeteja en el paper de narrador el baríton Xavier Ribera-Vall; i que acompanyen els altres intèrprets, en papers més secundaris, però igualment decisius com el de la mare adoptiva o la senyora Lyons (Isa Mateu) o el de l'adolescent i després dona de Mickey —i amant d'Edward—, la jove Linda (Lucía Torres), a banda dels dos germans de sang protagonistes esmentats abans (Roger Pera i Sergi Zamora) que defugen la nostàlgia de l'èxit de fa vint anys per refer i reconstruir els seus dos personatges nous, però igualment creïbles.
Tràiler del muntatge actual al Teatre del Raval (1). Tràilers de la versió estrenada el 1994 a Barcelona (2) (3). Tràiler d'una de les versions angleses del musical 'Blood Brothers' (4).
- «Goodbye Barcelona», de Judith Johnson i KS Lewkowicz. Dramatúrgia: Carlos Be. Traducció cançons: David Pintó. Traducció text: Eva Rosell. Intèrprets: Pau Quero (Sam), Carme Mateu (Rebecca), Pep Papell (Jack), Joan Vázquez (George), Carol Rovira (Pilar), Antonio del Valle (Esteve), Manuela Nieto (La República), Gara Roda (Cor), David Mauricio (Cor). Músics: Dani Campos (Piano), Quico Pugés Suárez (Violoncel), Miquel Biarnés Masip (Bateria). Supervisió musical, orquestració i arranjaments: Mark Smith. Il·luminació: Pedro Guerrero. Tècnic llums: Manel Melguizo. So: Rafel Febrer. Tècnic so: David Muñiz. Escenografia: Abdón Alcañiz. Ajudant escenografia: Cristina Arribas. Vestuari: Giovanna Ribes. Maquillatge i perruqueria: Ana Maria Balsera Garcia. Direcció escènica: Fran Arráez. Direcció musical: Dani Campos. Producció: Teatre del Raval. Teatre del Raval, Barcelona, 6 octubre 2013
- Curiosament, en un moment que els teatres més "comercials" fan el gir cap al teatre de "tresillo" que sembla sortit de les profunditats de mitjan segle passat, els passen per alt propostes d'èxits evidents, si tinguessin bon olfacte i una mica de fe, com va ser el musical 'La vampira del Raval' i ho és i serà ara el musical 'Goodbye Barcelona', que ha produït novament i com un regal per als espectadors el Teatre del Raval i que esgota localitats cada funció.
- I no és estrany. La temàtica és cridanera en un moment que la generació dels néts dels joves idealistes de la guerra civil han descobert qui eren i què van fer els seus avis. A més, 'Goodbye Barcelona' té l'avantatge que parteix d'una mirada des de fora, la de dues dramaturgues angleses que van llegir a la premsa un article sobre les Brigades Internacionals que el 1936 es van enrolar en la guerra civil espanyola contra el feixisme que amenaçava Europa. I aquesta mirada des de fora li dóna objectivitat, frescor i, també, solidaritat amb els vençuts, sense caure en pamflets innecessaris.
- Però al marge dels seus protagonistes, representats per un jove de 18 anys, anglès d'origen jueu, que s'apunta a la legió de joves contra el feixisme, i d'una jove que ha perdut els pares en mans dels falangistes, a més de la mare del jove anglès que fa el mateix camí per anar a la recerca del seu fill, hi ha també una trama que es mou entre l'èpica, el retrat d'un temps i d'un país, i els sentiments d'una generació que un dia també va ser jove i que va topar amb l'amor enfortit per les circumstàncies dramàtiques que comporta una guerra, sigui on sigui.
- Brigades Internacionals més trama romàntica, doncs, fan un bon combinat, força inèdit en el teatre d'aquí, i que aconsegueix un resultat molt brillant gràcies a la qualitat musical dels seus intèrprets que durant dues hores tenen els espectadors amb l'esborronament a flor de pell i, potser, si no fos per la foscor, es veuria que amb la llàgrima a flor de pell.
- Estrenat en el seu dia a Londres, la versió catalana, l'ha deixat en un punt alt del llistó. I més mèrit encara, si tenim en compte que el muntatge no compta amb cap escenografia sofisticada sinó amb una sèrie de palets de caixes que es munten i es desmunten, es mouen i es remouen per representar cadascun dels ambients: la taverna, el front, la trinxera, el refugi del convent, l'hospital de sang...
- Teatre pur, en clau de musical tradicional, que alterna les peces cantades amb breus intervencions dialogades que situen l'espectador sobre les circumstàncies històriques del moment i amb un personatge simbòlic, morat intens, que representa la República, i que és qui transmet alguns dels missatges de caràcter ideològic més marcats, des que les Brigades Internacionals arriben fins que, el 1938, quan la guerra ja estava perduda i el suport internacional mirava cap a una altra banda, reben l'ordre d'abandonar el país.
- «Yaacobi & Leidental», de Hanoch Levin. Traducció de l'hebreu de Raquel García Lozano. Música original d'Alex Kagan. Intèrprets: Roger Pera, Óscar Huéscar i Lola Dorado. Covers: Pep Papell i Alicia Merino. Pianista: Alfredo Gallego. Escenografia i vestuari: Deborah Macías. Coreografia: Ramon Oller. Il·luminació: Jorge Navarro. Direcció: Ángel Ojea. Companyia Óscar Huéscar Producciones Teatrales. Amb la col·laboració del Festival de Cinema Jueu de Barcelona, l'Ambaixada d'Israel i el Centre Sefarad-Israel i la Fundació Baruch Spinoza. Teatre del Raval, Barcelona, 8 maig 2013.
- Espectacle musical, amb aires de cabaret, classificat pels autors com a metafísic, que dóna a conèixer aquí una representació de l'extensa obra literària del dramaturg, director teatral i poeta israelià d'origen polonès, Hanoch Levin (Tel Aviv, Israel, 1943 - 1999), fill d'emigrants jueus supervivents de l'Holocaust, considerat un dels dramaturgs més importants d'Israel i activista per la millora professional dels dramaturgs amb la creació de l'Associació d'Autors Dramàtics Israelians.
- La trama de l'espectacle, que data del 1972, és senzilla: el protagonista, Itamar Yaacobi decideix en arribar als quaranta anys que vol viure la vida abans que li fugi de les mans. Però per fer-ho, el primer que ha de fer és trencar l'amistat d'un amic de sempre, David Leidental, que sembla que és el fre que ha provocat que ell no hagi trobat una dona per parella.
- Per això el seu objectiu és trobar-la on sigui. ¿I on millor sinó al carrer? És allà on topa amb Rut Shajash i, en un gir cap al cabaret frívol, l'home pren com a objectiu de la conquesta les dimensions del pompis i altres atributs de pes i grandària de la noia triada. Es diu Superpompis, diu que és pianista i no li costa gens d'acceptar d'anar a prendre un cafè amb Yaacobi.
- El contrast de la parella, pel que fa a dimensions físiques és evident. Podríem dir que el pompis i els atributs en qüestió s'ho mengen tot. Però no hi ha parella sense espelma i l'espelma és l'amic fidel que no accepta el trencament i els persegueix i se'ls presenta a tot arreu fins a l'extrem que, quan la relació de la parella acaba en casament, l'amic s'autoofereix com a regal de boda. Més econòmic i reutilitzable, impossible!
- Cal explicar amb pèls i senyals l'anècdota de la història perquè l'espectacle es basa en aquesta mena de comèdia de realització personal —inalterable ni que hagin passat cinquanta anys—, amb algunes intervencions dialogades, però, sobretot, amb un extens repertori musical que, sobre la base del llibret de Hanoch Levin, el músic Alex Kagan, que va col·laborar amb el dramaturg a Israel en el muntatge de diversos cabarets en una sala improvisada per a espectacles alternatius, va pensar per a trombó, violí i piano, reduït aquí a un arranjament exclusivament de piano, cosa que li dóna encara més el caràcter de cafè-concert que s'ambienta tan bé en la vella pàtina del Teatre del Raval, que no requereix una gran escenografia perquè la boca de l'escenari li cedeix i hi posa la millor atmosfera.
- L'espectacle comença i acaba com i amb una partida de dòmino. No desfem la sorpresa del desenllaç. Fitxa a fitxa, enviant daus cap a casa, barrejant i triant, encertant-la i equivocant-se, els dos amics de l'ànima es troben davant la impossibilitat de separar-se, i encara més: serà ella, Superpompis, qui acabi remenant les cireres cap al cistell que més li convé, amb acceptació i explotació del regal humà de boda inclòs.
- Hanoch Levin, amb humor molt d'herència jueva, si se'm permet el qualificatiu —tot i que algú potser titllarà en aquest cas de tendència masclista—, esporga amb ironia l'ànima humana, ho disfressa amb música i cançons, revitalitza la tragèdia, posa a prova el desig frustrat del protagonista i deixa en un cert aire absurd becketià la culminació de l'ideal desitjat. És difícil fugir del orígens i Hanoch Levin no en fuig, en tot cas els accepta com a propis i intenta mirar-se'ls amb un distanciament crític que, fins i tot en la seva faceta activista cívica, el va portar a qüestionar segons quines accions bèl·liques del govern israelià, com la Guerra dels Sis Dies, el 1967, i a predir aleshores el perill de la roda en la qual s'entraria de guerres inacabables. La resposta es fa evident ara mateix amb la situació que viu Israel amb els seus veïns.
- «El llop i les 7 cabretes», Germans Grimm. Adaptació: Jaume Gómez i Albert Gràcia. Autor musical: Albert Doz. Intèrprets: Rut Camps / Cristina Esteve, Jaume Gómez, Albert Gràcia / Miquel Malirach. So i il·luminació: Jaume Gómez. Vestuari i escenografia: Albert Gràcia. Direcció: Jaume Gómez i Albert Gràcia. Companyia T-Gràcia. Preu: 10 €. A partir 3 anys. Reposició: Teatre del Raval, Barcelona, 4 maig 2013.
- Ho intenta. La mare cabra intenta ser fidel a la versió més coneguda del conte. Agafa les tisores, el fil de cosir i s'encamina cap al cau del llop per obrir-li la panxa amb traïdoria i nocturnitat i canviar per pedrots els cadells de cabra que presumptament s'ha cruspit gràcies a enfarinar-se la pota i a aclarir-se la veu, com tothom sap, per engalipar les criatures tancades a casa.
- Però a l'últim moment, la mare se'n desdiu, el llop es desperta, i veient-se ja obert en canal i ofegat al riu —perquè ell també deu conèixer la història dels Grimm— prefereix demanar perdó, abandonar la presa i fer-se vegetarià, és a dir, suposo, client habitual del Fresh & Co o dels contenidors de Mercabarna. I al petit respectable, tot s'ha de dir, li sembla que un llop que fa això no és ben bé un llop com cal.
- Hi ha una tendència a endolcir el costat salvatge de segons quins contes com ja feien al segle XIX els que veien en els arguments violents la divulgació d'un mal exemple. Avui que els contes han estat substituïts per sèries televisives i pel·lícules amarades de sang i fetge i no es queixa ningú, segons quins retocs per no espantar la clientela —els pares i mares, esclar—, haurien de ser exclosos del tot. Diria que les criatures estan, a aquestes altures, curades d'espants.
- És l'únic retret que gosaria fer a aquest muntatge que, d'altra banda, de registre musical molt digne, barreja gèneres diversos, molt enganxadissos, i combina els personatges principals caracteritzats amb màscares, amb titelles de notables dimensions, com una gallina ponedora, que interpreta l'ària de la Reina de la Nit, de La flauta màgica, de Mozart, o les set cabretes, una rastellera de caps grossos que improvisen una minicoral.
- El musical aconsegueix que la interactuació entre escenari i platea estigui garantida gràcies als intents de la típica cançó que el llop s'ha d'aprendre molt bé per enganyar les seves víctimes: "Obriu, obriu, cabretes..." i etcètera, etcètera, que se saben prou bé els que ronden per bressoles des de molt petits i també alguna mare o algun pare als quals el llop demanarà ajuda i els posarà a prova les seves cordes vocals i la vocació musical.
- L'escenografia, desplegable, situa els diversos ambients en què es mou el conte: un corral on hi té entrada franca el llop o la casa de la família dels cabrits. Com a propina —realment no hi faria cap falta perquè la història central de les 7 cabretes té prou gruix— el musical manlleva dos personatges d'altres contes: la Caputxeta i la seva àvia i un dels tres porquets als quals el llop va ensorrar la casa i ara s'ha quedat a l'atur, segurament que amb la hipoteca de la casa enrunada encara pendent de pagar.
- «La vampira del Raval», de Josep Arias Velasco. Música d'Albert Guinovart. Intèrprets: Pep Cruz, Roser Batalla / Mercè Martínez, Jordi Coromina, Roger Pera, Mingo Ràfols, Valentina Raposo i Xavi Gamazo. Mestra titellaire: Valentina Raposo. Músics: Andreu Gallén (piano), Víctor Pérez (violí), Víctor Mirallas (clarinet), Francisco Mestre (contrabaix). Marionetes: Anita Maravillas. Escenografia: Ramon de los Heros. Il·luminació: Carles Valero. Coreografia: Edgar Àvila. Vestuari: María Araujo. Caracterització: Toni Santos. Direcció d'art: Jordi Ribera. Direcció musical: Andreu Gallén. Ajudant direcció: Lluís Parera. Direcció escènica: Jaume Villanueva. Companyia Octubre Teatral. Teatre del Raval, Barcelona, 19 desembre 2011.
- L'any 2012 es commemora el centenari de l'enfonsament del Titànic. Però en el petit món del Raval de Barcelona, el 1912 va ser també l'any que va posar fi a les malvestats d'una veïna del carrer de Ponent (actual carrer Joaquín Costa) de doble personalitat, anomenada Enriqueta Martí i coneguda més popularment, d'un temps cap aquí gràcies a la investigació, els documentals i la literatura —i ben aviat el cinema en un projecte en marxa—, com la Vampira del Raval, una captaire de dia i una madama de nit que va traficar, segrestar, explotar i violar criatures del mateix Raval en un moment que les desaparacions —no tan mediàtiques a través dels mitjans de comunicació com ara— eren silenciades entre les famílies més humils de principi de segle passat.
- L'oportunitat de transformar en un espectacle musical la història d'Enriqueta Martí ha trobat —malgrat les venerables queixes ben legítimes de l'actor Pep Cruz— un espai intimista que li és, per a la seva arrencada, molt idoni: a tocar de la Plaça del Pedró (encreauament dels carrers del Carme i Hospital) del mateix barri dels fets, al capdavall del carrer Joaquín Costa —Enriqueta Martí tenia la seva cofurna a l'entresol de l'edifici número 29 d'aquest carrer— i en un teatre alternatiu que, segons la història local, a principis de segle era un menjador de beneficiència on la mateixa Vampira també acudia.
- Però no és només això. El Teatre del Raval s'ha ambientat com un antic cafè-concert del Paral·lel i els seus carrerons per recrear des del primer moment l'atmosfera d'aquelles tavernes —com La Pajarera prèvia d'El Molino— que, emmirallades en el music hall parisenc, fins i tot feien que una dona com Enriqueta Martí es desdoblés en una glamurosa Mme Henriette.
- Amb la repressió encara fresca de la Setmana Tràgica del 1909 i l'afusellament, entre altres anarquistes, de Ferrer i Guàrdia com a cap de turc d'aquella revolta popular, el Raval es va alertar per la desaparició d'una nena de cinc anys, Teresita Guitart Congost. És a partir d'aquest segrest, que el subinspector Ribot del cos de policia descobreix les activitats de la vampira del Raval, lligades a un prostíbul del barri de Gràcia que facilitava infants a pederastes de classe alta i que, a còpia d'uns quants assassinats de criatures mai aclarits del tot —Enriqueta Martí va viure en diversos pisos com el un del carrer de Tallers o un altre de Sants on s'hi van trobar també restes d'ossos humans— elaborava ungüents de remeiera per a personatges benestats de la política i la societat barcelonina.
- Els poders fàctics de l'època només van arribar a empresonar la Vampira a les reixes de Reina Amàlia —una víctima del seu propi passat, venuda per la seva mare als dotze anys a un pederasta, i dedicada després a la prostitució—, però la pena major no li va ser aplicada, tot i que un any després, el 1913, va morir —es creu— apallissada per les altres internes de la presó, tot i que la versió oficial va dir que havia estat d'un càncer d'úter.
- El muntatge, que ressegueix molt rigorosament el fil de la història biogràfica de la protagonista i el combina amb algunes de les efemèrides que envolten l'època, s'empara de la ficció per mitificar el personatge d'Enriqueta Martí —captaire de dia a les esglésies, glamurosa de tarda amb les visites dels senyors i vampira de nit quan els carrers tenien llums de gas i a les cases hi havia penombra d'espelma, com canta una de les peces del musical— i per manipular el final tràgic de la Vampira amb una resolució teatralment més impactant: el garrot vil.
- Espectacle musical amb molts registres: tragicomèdia, cabaret, titelles, terror, gènere burlesc, política i denúncia social, amb un repartiment que es desdobla en un ventall de personatges de l'època, a més de la Vampira Enriqueta Martí, com en Joan Pujaló, artista pintor emigrant tornat de Cuba i marit frustrat de l'Enriqueta; el Marquès pederasta; el pinxo del barri Canut el Llardós; la xafardera i travestí del barri Claudina Elias, que va ser qui va alertar de la presència de criatures al pis del carrer de Ponent; el comissari de policia José Millán Astray, de trista memòria fins a l'entrada del franquisme; un advocat tísic; el jutge d'instrucció; el president de l'Audiència; el capellà de la presó; el botxí del garrot vil; un periodista de La Veu de Catalunya; un carterista, una dona pobra del barri, un fanaler, o tres criatures víctimes de les urpes de la Vampira: el nen Pepito (mort per extreure'n la sang); i les nenes Angeleta, supervivent, i Teresita Guitart, alliberada dues setmanes després del segrest, morta amb més de noranta anys el 2001 i, una filla de la qual —present a la platea la nit de l'estrena— ha mantingut i corroborat viva la memòria estremidora del que podria semblar només una llegenda urbana engreixada per la veu popular.
- Excel·lent repartiment, amb actuacions musicals molt brillants del personatge d'Enriqueta Martí (la nit d'estrena interpretat per l'actriu Mercè Martínez a causa d'una recuperació vocal de Roser Batalla); espaterrant intervenció de Mingo Ràfols en un passi de cafè-concert d'alta volada amb aires moliners entre la platea —amb alcalde de Barcelona de carn i os inclòs entre els espectadors—; bonhomiosa actuació de Pep Cruz, que fa alguns papers de l'auca com el de mestre de cerimònies, narrador de les acotacions històriques, empresari del cafè-concert, capellà o subinspector Ribot; oportunitat en solitari o corals per als papers que tenen entre mans Mingo Ràfols —marquès—, Roger Pera —el pinxo, en un dialecte caló que demanaria subtitulat per aprofitar-ne del tot el suc lingüístic mig manllevat segurament dels escriptors Emili Vilanova o Juli Vallmitjana— i Jordi Coromina —com a marit, botxí o comissari manc—, sense oblidar el paper essencial de Valentina Raposo com a titellaire que cobreix els tres papers d'infants amb la seva aportació delicada de les marionetes que aporta a l'espectacle un element més del teatre de butxaca i cafè-concert. Musical de sensacions, doncs, per no avorrir ningú.
- El compositor Albert Guinovart —autor de musicals com 'Mar i cel' o 'Flor de nit', de Dagoll Dagom, i bandes sonores de telenovel·les com 'Nissaga de poder' o 'El cor de la ciutat'— ha elaborat una partitura per a 'La Vampira del Raval' dividida en dos actes —dues hores llargues més intermedi— amb tretze peces principals que, amb la presència de quatre músics en directe, alternen diversos estils, que respiren l'atmosfera vampiresca o cabaretera, intimista o social, tenebrosa o esperançadora i que, potser perquè és inevitable, en algun moment recorden un musical de gran impacte aquí com va ser 'Sweeney Todd', d'Stephen Sondheim, el del barber de la navalla del carrer Fleet i la pastissera que tothom sap com i de quina matèria primera elaborava els pastissos. Albert Guinovart hi aporta, però, personalitat pròpia i color mediterrani, i amb la cançó, 'Carrerons de Barcelona', que vol ser la tornada de 'La Vampira del Raval', s'impregna del barri on ha nascut aquest musical i en contrapartida l'ofereix com a testimoni a la ciutat que n'és coprotagonista a través de la història popular.
- Escenogràficament, el muntatge s'ha resolt amb una plataforma mòbil que tant serveix per representar el pis d'Enriqueta Martí del carrer de Ponent, com el bordell de Gràcia, o els carrers foscos del Raval, o la cel·la de la presó o el racó d'una taverna. Una escenografia limitada per l'espai de l'escenari, però molt efectiva, que demostra tot el que es capaç de donar la imaginació creadora quan els recursos s'han d'apamar amb els dits de la mà.
- 'La Vampira del Raval' és un musical de creació autòctona que té tots els mèrits per mantenir-se en cartellera un temps llarg, que de moment dignifica una programació heroica i plena de constància com la del Teatre del Raval, i que, avui mateix, la companyia ja hauria de tenir en la casella d'entrada del seu correu electrònic almenys mitja dotzena de bones propostes engalipadores de productors teatrals amb disponibilitat de sales més grans, tant de Barcelona com de fora, disposades a apostar per una proposta de teatre musical que, amb uns quants dies més de rodatge inicial i amb un suport decidit que enforteixi els recursos que hi ha abocat tot l'equip, el converteixi en un dels èxits de la temporada.
- «McBeth con queso» Dramatúrgia de Marc Angelet. Intèrprets: Gerard Flores, Aina Gomis, Carla Ricart, Carla Sala, Rosa Serra i Marina Tartas. Veu en off: Ignasi Campmany. Vestuari: Iztok Hrga. Direcció: Marc Angelet. Companyia La Guapa. Teatre del Raval, Barcelona, 23 octubre 2010.
- De 'Macbeth', com que l'autor no es queixa, se n'han fet de verdes i de madures. És una sort per als que es basen en la matèria primera de l'obra per elaborar una dramatúrgia nova. Especialment cridanera és aquesta de Marc Angelet que s'ambienta al rebost o els vestidors d'un burger i on els empleats, majoria noies —uniforme kistsh, anagrama de la casa i gorreta de pala— tret d'un que hi fa el paper de clown, van buidant el pap sobre les relacions personals, les seves ambicions professionals, les enveges i les seves frustracions.
- Però no només és Shakespeare el que hi ha darrere dels bigmacs, els pots de quètxup, les hamburgueses i les patates fregides, sinó que també hi ha una subtil picada d'ullet a les ancestrals cerimònies d'espiritisme en un últim divendres de més que és quan un o una dels empleats ha de ser nomenat 'L'Empleat del Mes' pel que deixa la distinció.
- Això ja dóna a entendre que qui té l'opció de nomenar el seu successor té també el poder durant un mes que li és atorgat des del moment que fa d'encarregat i organitzador dels torns de cadascun dels companys, de supervisar la seva feina, de tenir una remuneració extra per la seva feina i, en definitiva, de tenir la paella, o el bigmac, pel mànec.
- Cinc intèrprets mouen els fils d'aquesta, diguem-ne tragicomèdia, si és que les picabaralles, les esgarrapades i les punyalades per l'esquena tan habituals en el petit microcosmos de segons quines feines, es pot qualificar de tragicomèdia.
- El muntatge està estructurat a un ritme frenètic. Fins al punt que, sobretot en les primeres escenes, els diàlegs encreuats entre els diversos intèrprets creen una sensació de caos inintel·ligible només al servei de les entrades i sortides del menjador del burger, de les necessitats vitals de cadascuna de les empleades i el clown d'ofici, i al servei de donar la impressió del mateix ritme de neguit que es respira darrere dels taulells d'aquesta mena d'establiments de menjar ràpid.
- Malgrat l'aparent caos, però —on no hi falta alguna escena de micro amb karaoke inclòs—, l'obra es va construint, a cops de corredisses, discussions, xantatges i súpliques, fins a arribar al punt culminant, la de l'últim divendres de mes on l'empleada encarregada farà el seu relleu, en una taulada de bigmacs prèviament preparada, on es desencadena la tragèdia, més pròpia d'un joc de rol que no pas d'un acte de sang. ¿I el quètxup? No hi patim. Hi ha quètxup per donar i per vendre. Macbeth roig en quètxup pur. Això sí, club de fans de Shakespeare en clau clàssica, abstingueu-vos, doncs, de patir un infart de quètxup.
- «Cirk», de Moi Aznar. Intèrprets: Dani Aznar, Xavi Elies, Moi Aznar i Encarna Laínez. Música: Albert Reverter. Companyia Jomeloguisojomelo.com. Teatre del Raval, Barcelona, 10 abril 2010. A partir 4 anys. Preu: 7 €.
- No sé si la K final del títol d'aquest espectacle insinua que els espectadors es trobaran davant d'un espectacle que parteix essencialment del llenguatge del circ, però que el teatralitza fins al punt que en la seva barreja d'elements hi ha una anarquia organitzada. Una anarquia, d'altra banda, que proporciona una hora de viatge a un món de fantasia i màgia on no hi falten els personatges típics de pista convertits en intèrprets d'escenari sense abandonar cadascun d'ells les seves habilitats circenses en les quals s'han especializat.
- Em referia a l'anarquia organitzada no pas perquè l'espectacle sigui un desgavell, ben al contrari, sinó perquè l'integren una sèrie d'escenes o de números que donen sortida a diversos registres teatrals: titelles, malabarisme, màgia, humor, fantasia, música, participació dels espectadors...
- Precisament aquesta conjunció de diversos registres és el que fa que l'espectacle transcorri per una línia entre màgica i molt amena, sota un eix comú, les trapelleries que es fan l'un a l'altre els dos pallassos protagonistes que fan també de mestres de cerimònies: l'august i el cara blanca, amb les habituals juguesques del que se suposa que és el més llest i les innocents però efectives contrajuguesques del que aparentment sempre té les de perdre.
- Un personatge màgic, un follet amb barret de copa i bombetes il·luminades, dóna entrada al món de 'Cirk' per la foscor de la platea. Ja sé que és un tòpic dir ara que aquest personatge respira aires del Cirque du Soleil —cosa que no sempre agrada els que fa temps que es dediquen al circ—, però d'un temps cap aquí es fa inevitable aquesta relació tot i que segurament ha estat el Circ du Soleil qui ha begut de les fonts primàries dels seus personatges i no pas al revés com ens pensem.
- La combinació de números de titelles —uns titelles que desperten l'expectació dels més petits—, però integrats dins els personatges del circ escènic —la corda fluixa, l'aixecador de pesos, el mandarí de fórmules màgiques...—, la transformació de la ballarina-titella en ballarina de carn i os, la presència del fals lleó i el número del fuet —un fuet irònicament de debò amb marca de fàbrica d'embotits— o els números de màgia, els de malabars o el de fals llançament de ganivet de dos pams sobre el cap d'un espectador, voluntari sisplau per força, convertit provisionalment en un Guillem Tell amb pilota al cap en comptes de poma, creen una relectura del circ clàssic que manté el llenguatge que mai no mor.
- Dic això perquè aquest espectacle ja té uns anys de vida. La companyia el va crear fa uns deu anys. Aquest recorregut és segurament el que li dóna la pàtina d'espectacle feliçment tradicional: l'escenografia és la dels circs ambulants —si no existenxen en la realitat encara existeixen en les il·lustracions romàntiques—, els personatges —ja siguin titelles o de carn i os— són els del circ de debò, i el rerefons de l'espectacle vigila sempre de no sortir d'aquest límits establerts sense anar a parar a la utilització d'efectes extraordinaris ni de grans accions espectaculars sinó fent extraordinari allò que es pot aprofitar des del mocador més petit.
- Espectacle que, malgrat ser de circ, no està tampoc exempt de la paraula i que té també un clar interès a mantenir un nivell lingüístic sense concessions a tics de moda, cosa que reforça el seu caràcter teatral i li confereix un nivell de rigor reconfortant. Seria bastant incoherent, per exemple, en el número esmentat abans del lleó, parlar alegrement de "látigo" i treure com treuen a l'escenari un fuet de Vic. Llengua i comprensió sempre han anat aparellats. Quan els espectacles es fan ben fets, fins i tots aquests petits detalls exerceixen un paper essencial: recuperar expressions com la del "fuet" que, en un altre cas —com tan sovint passa— hauria caigut abatuda i sense compassió, precisament a cops de "látigo".
- «El màgic d'Oz». Basat en el conte de Lyman Frank Baum. Text de Marc Rosich. Música i cançons originals de Lucas Ariel Vallejos. Intèrprets: Jordi Brunet, Aleix Costales, Anna Gil, Íngrid Marín. Escenografia, vestuari, il·luminació i so: Companyia Maremàgnum. Direcció de Jordi Andújar. Producció Teatre Obligatori. Preu: 7 €. A partir 3 anys. Teatre del Raval, Barcelona, 14 novembre 2009.
- Publicat per primera vegada el 1900 a Chicago, el conte 'El meravellós màgic d'Oz (The Wonderful Wizard of Oz)' ha quedat com l'obra més coneguda de l'escriptor, actor i director de cinema, Lyman Frank Baum (Chittenango, Madison County, NY, 1856 - Hollywood, 1919) que va crear, juntament amb l'il·lustrador William Wallace Denslow (Filadèlfia, 1856 - Illes Bermudes, 1915) aquesta sèrie, coneguda ara simplement com 'El màgic d'Oz' i que va tenir aleshores tretze seqüeles.
- La primera adaptació al cinema del conte va originar un desacord d'autoria entre l'escriptor i l'il·lustrador que va acabar per sempre amb la seva amistat, un final, paradoxalment, del tot diferent a la moralitat que vol tenir el conte en el qual l'esforç, l'enginy, el cervell, el cor i l'amistat juguen un paper important en el viatge que fa Dorothy, una nena que es veu emportada al país d'Oz per un huracà, on viu les aventures màgiques i coneix una sèrie de personatges amb qui creix en el seu recorregut iniciàtic, abans de tornar a casa, gràcies als poders del màgic d'Oz que concedeix el que li demanen sempre que, a canvi, li portin una penyora.
- L'adaptació teatral feta per Marc Rosich i la companyia Maremagnum manté els eixos principals del conte i els seus personatges. Dorothy viu amb uns oncles a Kansas —ell, català emigrant als EUA i ella turista a la Costa Brava on es van conèixer—, on tot ho veu gris i sense il·lusió. Terra de tornados i d'huracans, en una de les ventades ferotges, Dorothy fa cap al país d'Oz. Allà apareixen la bruixa que li obrirà el camí del màgic d'Oz i, ja en ruta, trobarà l'espantaocells, l'home de llauna i el lleó, tres dels principals personatges del conte.
- L'aparició de la bruixa de l'Oest, la dolenta de la pel·lícula, aporta la dosi de lluita entre el bé i el mal amb final feliç, però no sense esforç. Les garrofes, ni que siguin màgiques, cal guanyar-se-les a pols. I el mag d'Oz, que ja fa temps que vol escombrar del mapa, la bruixa de l'Oest, demana als protagonistes que, si volen els seus desitjos, li han d'aconseguir l'escombra malèfica de la dama del nas punxegut. Aquesta missió permet que l'espectacle mantingui el ritme i la tensió i que fomenti la complicitat dels petits espectadors que decideixen molt aviat cap on han de dirigir els dards a l'hora de baixar el dit de condemna.
- Amb algunes intervencions musicals —que no és la part essencial del muntatge—, la història de Dorothy és seguida amb interès i els seus personatges queden ben definits en el paper que juga cadascú. Un espectacle que té com a moralitat final la que també es desprèn del conte original: l'espantaocells entén què vol dir tenir cervell per ser enginyós, l'home de llauna regalima la primera llàgrima galtes avall perquè descobreix la importància de tenir cor, i el lleó arriba content com un gínjol després d'haver-se enfrontat a l'exèrcit de sicaris de la bruixa de l'Oest, els micos alats, amb la qual cosa ha recuperat el coratge que ha de tenir ni que sigui per continuar portant el qualificatiu de rei de la selva.
- I com que un huracà tot ho pot, Dorothy torna a casa d'una altra bufada, mentre els espectadors primerencs han tingut l'oportunitat de conèixer, amb una representació força fidel a l'original, uns personatges de la literatura clàssica escampada arreu del món des de fa més de cent anys. D'aquesta manera, si un dia els cau el llibre a les mans, la lectura té el camí mig guanyat gràcies a l'empremta de les imatges teatrals.
- «El follet i el sabater». Música, guió i escenografia de Lluís Petra. Intèrprets: Pilar Nieto i Lluís Petra. Vestuari: Ana Parera. Direcció: Lluís Petra. Companyia Sam Salabim. A partir 3 anys. Preu: 7 €. Teatre del Raval, Barcelona, 4 abril 2009.
- Abans que els comerciants xinesos omplissin magatzems i botigues amb parells de sabates de tota mena, tothom sap que hi havia els follets que van conèixer els germans Grimm i que, segons ells, havien ajudat un artesà sabater, segurament alemany, ja en edat de jubilació, a quedar bé amb la poca clientela que li quedava.
- La història per a titelles i intèrprets d'aquesta versió aprofita els elements bàsics per crear un relat de rerefons ecològic i també que parli dels oficis que es perden —o que ja s'han perdut— i dels artesans que desapareixen —o que ja han desaparegut—, sense aprenents que els heretin.
- Amb una escenografia plàstica molt suggerent, la trama es desenvolupa en dos espais: el bosc màgic i l'obrador del sabater. Un arbre i un mussol personificats descobreixen que un personatge tenebrós penetra al bosc per explotar-ne la riquesa natural.
- Amb una bona interpretació, tant dels dos personatges de carn i os com dels titelles que manipulen, el muntatge incorpora diverses peces musicals, d'arrel cèltica les més boscanes, i més barroques les del personatge que condueix una màquina industrial, un artefacte-robot amb un cuc vigilant de mecanisme sorprenent.
- Espectacle també de sensacions, amb petits trucs de màgia que fan aparèixer sabates gràcies als pòlvors del follet que viatja del bosc fins a l'obrador del sabater. La posada en escena aconsegueix un retrat gens artificiós dels personatges del sabater i el follet, que sedueixen els espectadors, a més de crear una atmosfera càlida al servei d'un final ecològicament positiu.
- «Baobab», de Marc Hervàs. Adaptació cançons: Júlia Mora. Intèrprets: Arnau Vinós i Júlia Mora. Músics enregistrament banda sonora: Bakus Keïta, Miguel Serna, Aura Porta, Toni Vilaprinyó i Cor de Teatre (Banyoles). Escenografia, titelles i màscares: Albert Pascual. Vestuari: Albert Pascual i Teresa Solà. Direcció musical: Júlia Mora. Direcció escènica: Marc Hervàs. Companyia Microcosmos Teatre. A partir 3 anys. Preu: 7 €. Teatre del Raval, Barcelona, 8 març 2009.
- Espectacle musical amb titelles, però també amb una important participació dels dos titellaires que no només manipulen els diferents personatges que van apareixent en el relat sinó que interpreten en directe les cançons que formen part de la fusió que es fa entre la cultura africana i la de rebuda.
- 'Baobab' és un espectacle poètic i ple de sensibilitat, que posa en primer pla una qüestió tan actual com el de la immigració en pasteres, amb una companyia de prop de vint titelles, la majoria gegants, alguns de personatges fantàstics, que apareixen progressivament per il·lustrar les velles històries que una família africana immigrant amb pastera explica al nadó que ha nascut en alta mar.
- Escenogràficament ben resolt, fet de peces mòbils que representen els diversos espais, amb una il·luminació molt matisada que diferencia entre els diversos espais dels relats, compta amb una interpretació a caixa oberta, no pas en càmera negra, que fa que actor i actriu, a través de les veus amb què identifiquen els diversos titelles —tots amb elements i ressonàncies de la cultura escultòrica i artesanal africana—, o les cançons que interpreten, algunes en la llengua africana original, acabin guanyant un paper important de la posada en escena.
- A l'ombra del baobab, o a l'ombra del record del baobab del poblat que han deixat enrere, la família d'immigrants rep a la pastera el nadó amb les cançons dels seus avantpassats i les rondalles dels griots que els reunien.
- La banda sonora enregistrada, interpretada per la banda de música africana Kolomba i altres músics col·laboradors en l'espectacle, té l'atractiu afegit d'incorporar instruments tradicionals africans de percussió, combinats amb el contrabaix, la guitarra i la flauta travessera i la intervenció, en dues peces, del cor a cappella, amb cantants del Cor de Teatre de Banyoles.
- Tot plegat aconsegueix un espectacle que detecta un treball rigorós de fons per part dels seus creadors, Arnau Vinós i Júlia Mora, fundadors de la jove companyia Microcosmos, amb només tres anys justos de vida, i amb la intenció de fer amb titelles espectacles musicals innovadors que barregin diverses disciplines i que incideixen a la vegada en qüestions que condicionen la societat universal.
- «El soldadet de plom». Basat en el conte de Hans Christian Andersen. Actors titellaires: Pilar Nieto, Xavier Ruiz, Arturo Medrano. Acordionista: Lluís Petra. Companyia Sim Salabim. Barcelona, Teatre del Raval, 12 octubre 2008. Preu: 7 €. A partir 3 anys.
- Hi ha una tendència en els espectadors més petits de comentar allò que veuen quan la representació és feta amb actors de carn i os o amb titelles gegants i una il·luminació oberta. En canvi, en un espectacle de llum negra, de titelles fluorescents, la sensació del color que és desprèn els transporta a la pantalla del cinema o la de la televisió i aleshores segueixen l'acció enmig d'un silenci sepulcral.
- Aquest muntatge n'és un. La versió d''El soldadet de plom' de la companyia Sim Salabim omple l'escenari fosc d'una lluminositat intensa i de personatges i objectes que cobren vida fins al punt que el somni de fons queda justificat perquè tot es belluga, tot apareix i desapareix de l'escenari, voleiant, misteriosament, per art de màgia.
- L'espectacle, amb una bona versió de guió, incideix en els valors de l'amistat, la que finalment acaben fent el soldadet i la ballarina, enganxats per la calor del foc del qual s'han salvat, però també incideix en la moralitat de la justícia: els dolents acaben sempre pagant per les seves malifetes. I aquí, el dolent és el Dimoni, una joguina tant envejosa del soldadet de plom que fins i tot el llença finestra avall, un dia de vent i tempesta, cosa que fa que el soldat de joguina emprengui un viatge d'anada i tornada.
- Molt ben aconseguits els titelles del petit nen protagonista, Guillem, que es tanca a la seva nova habitació ple de joguines, els titelles gegants del soldadet de plom i la ballarina, el gran peix que devora la figura del soldadet, l'estufa de foc i, d'una manera especial, la del Dimoni, amb carota de típic Pere Botero de guignol i cos d'acordió de pallasso de pista per caminar fent bots.
- La història se segueix des de l'inici al final amb l'acompanyament musical d'un acordionista en directe que remarca amb sensacions musicals l'atmosfera que requereix cada situació: la de la por, la de l'alegria, la de l'aventura, la de l'amor. També una sèrie de cançons en cadascuna de les escenes converteixen la versió del conte d'Andersen en un espectacle molt complet que combina la paraula ben dita amb la música i la tècnica dels titelles i la càmera negra amb un resultat que no deixa indiferent cap dels espectadors de totes les edats.
- «El petit cobert», de Jordi Pérez. Basat en un conte de Margalida Albertí. Coreografía de Sergi Descayre i Basilio González. Actors-Ballarins: Agnès Padrós, Sergi Descayre i Basilio González. Disseny d’escenografia i vestuari: Elisenda Rodríguez. Música: Diversos autors clàssics. Disseny de so i llums: Joan Vitali (Trópico de Capricornio). Direcció de Jordi Pérez. Companyia Clac&Roll. Barcelona, Teatre del Raval, 17 febrer 2008.
- El viatge és un recurs habitual en els contes iniciàtics. I un espectacle com 'El petit cobert' fa del viatge una representació escènica que té la base en un conte de Margalida Albertí, actriu multidisciplinar, que té tots elements que l'aparellen amb les làmines d'un àlbum il.lustrat.
- Cadascuna de les escenes del muntatge sembla pensat com si seguís un guió de conte gràfic i hi ajuda a tenir aquesta impressió el vestuari, peces originals, fantasioses i acolorides que estan també al servei de les escenes en les quals els tres intèrprets es mouen guiats per una banda sonora de clàssica a ritme de claqué.
- La jove companyia Clac&Roll, amb set anys de recorregut, reuneix tres intèrprets i ballarins que procedeixen de la formació d'escoles tan solvents com la de Coco Comín, Helena Munné, Memory o Nancy Tuñón. I el seu espectacle, posats a trobar-hi una referència, podria ser una continuació de la llarga tradició escènica d'una companyia com Roseland Musical.
- En aquesta ocasió, Clac&Roll agafa com a espai una cuina casolana i com a personatges, alguns dels habitants culinaris: una cullereta de postres, un llevataps, un obrellaunes, un espremedor. La personificació dels objectes, doncs, és la base de la trama que introdueix el relat d'un narrador que no es desvelarà qui és fins al final, un vell cullerot —el vestuari més poètic de tot l'espectacle, semblant a una escorça d'arbre, amb bastó i esclops— que acabarà aportant la moralitat del conte en unir l'experiència de la vellesa amb les ganes de descoberta del petit cobert, la cullereta de postres.
- Tothom és imprescindible en la cadena humana —o dels objectes de cuina, vaja—. El cullerot, per remenar l'escudella; i la cullereta de postres, per poder fer el seu servei amb el pastís d'aniversari. Entremig, un senyor llevataps d'accent francès —potser per allò del xampany— se les té amb un espremedor de taronges amb accent mexicà, i un tècnic obrellaunes amb aspiracions d'inventor intenta perfeccionar el sistema d'obrir com més ràpid millor.
- Tots intenten ensenyar la cullereta de què va la vida que l'envolta fora del calaix de l'armari de cuina on normalment s'està. La cullereta, un personatge mut, que desprèn frescor, jovenesa i ganes de viure.
- Una escena de batalla de taps de suro, entre el senyor llevataps i l'espremedor, amb la cullereta entremig, aconsegueix la necessària acció que els espectadors més petits agraeixen i continua constatant que jugant dos pot acabar rebent un tercer.
- La història té un inici i un final amb petites peces de titelles —culleres, forquilles i ganivets— que transporten els protagonistes al viatge convertits en les figures que adopten els intèrprets. La banda sonora de diverses peces clàssiques serveix perquè els números de claqué acabin explicant el que podria quedar-se al tinter —o al disc dur— del narrador. Al final, tot torna al seu lloc, i el petit cobert aconsegueix trobar el camí de tornada al seu calaix després d'haver fet un particular viatge de descoberta aigüera avall en un núvol de bombolles.
Índex obres per sales d'estrena
Tornar a índex
Tornar a Teatre
Tornar a Índex Publicacions
Tornar a Home Page